[Korean Modern Art Series #3] The Birth of Abstraction (1950-70)

After the war, Korean art began to draw again. In a time of poverty and ruin, artists turned away from depicting reality and began searching for the spirit beyond it.

That was the beginning of Korean abstract art.
Four artists — Chu Kyung, Lee Ung-no, Kim Whanki, and Yoo Young-kuk — each pioneered a new way of seeing beyond form.

Chu Kyung (1905–1979)

Regarded as Korea’s first abstract painter, Chu Kyung bridged early Western painting and modern abstraction. He studied under Ko Hui-dong, Korea’s first Western painter, and Lee Jong-woo, the first Korean to study in Paris.

His early work Turbulence (1923) is often cited as Korea’s first abstract painting. Reflecting personal tragedy, the composition of intersecting straight and curved lines evokes emotional turbulence.

Another work, Survival, shows an irregular composition that foreshadowed the Art Informel movement. Though he later returned to more representational forms, Chu remains the painter who opened the door to abstraction in Korea.

Lee Ung-no (1904–1989)

Originally a traditional painter who exhibited ink paintings at the Joseon Art Exhibition, Lee gradually transitioned into abstraction while retaining his East Asian sensibility. He taught at Hongik and Seorabeol art schools before moving to Paris in 1958, where he spent most of his remaining life.

His artistic evolution moved from imitation and observation to interpretation — from sa-saeng (realistic depiction) to sa-ui (expressive meaning). By the 1960s, his work had become fully abstract.

In his later years, he returned to the human figure with his Crowd series (1985). While some saw it as a reference to Korea’s 1980 Gwangju uprising, others read it as a universal cry for peace — an interpretation Lee himself accepted.

Kim Whanki (1913–1974)

A leading modernist who brought Korean art to the global stage.
From his student years in Japan, Kim showed a deep fascination with geometric abstraction. After returning home, he co-founded the New Realism Group (Sin-sasilpa) with Yoo Young-kuk and Lee Kyusang, pioneering Korea’s modernist movement.

He drew upon distinctly Korean motifs — mountains, moons, jars, and cranes — translating poetic sentiment and native elegance into abstract form. Among his early works, Rondo (1938), presented in Tokyo, stands out as Korea’s first abstract composition inspired by musical form, transforming rhythm and tone into lines and colors on canvas.

After the war, Kim served as dean of Hongik University before departing for Paris in 1956. There, his art evolved into semi-abstraction, reducing forms to their symbolic essence. The moon, jar, and tree became metaphors for his distant homeland and cultural identity.

Following his participation in the São Paulo Biennale in 1963, Kim moved to New York, where he reached the peak of his artistic maturity. His signature dot paintings (Jeomhwa) from this period are meditative in nature — thousands of dots applied one by one as he recalled the people he longed for. Where, in What Form, Shall We Meet Again, titled after a line from the poet Kim Kwang-seop, epitomizes his synthesis of Eastern intuition and Western logic.

In 2019, Universe 5-IV-71 #200 set a record at auction, selling for approximately ₩13.2 billion (about $11 million), the highest price ever achieved for a Korean artwork. His legacy lives on at the Whanki Museum in Buam-dong, Seoul, founded in 1992 and designed by architect Woo Kyu-sung. Its circular dome and granite façade echo the serene geometry of Kim’s paintings.

Yoo Young-kuk (1916–2002)

A fellow member of the New Realism Group, Yoo Young-kuk studied in Japan and returned to Korea to lead its abstract movement. His 1930s works hinted at landscapes — mountains, seas, and suns — expressed through non-representational geometry.

By the mid-1950s, in works like Untitled (1956), he adopted Cubist division and rhythmic curves with bold color contrasts. From 1957 onward, the mountain became his central motif —
a symbol of vitality and order in nature. In his later years, the mountain’s form grew increasingly geometric and structured, embodying balance and harmony through color and form.

His paintings sought not to depict nature, but to translate its rhythm and structure into pure visual language. Critics described his work as “painting that does not depict nature, but becomes nature.”

Conclusion

Chu opened the door, Lee reinterpreted tradition, and Kim and Yoo expanded its grammar to the world. They took different paths but shared a single direction. For them, abstraction was not an escape from reality, but a way to redraw humanity and the world in a fractured time.

Their dots, lines, and spaces remain the first steps of Korea’s modern art toward the world.

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Note: This article was written based on the lecture “Scenes of the Firsts in Korean Modern Art” by the Seoul Arts and Culture Education Center.

추상으로 시작된 새로운 시선

한국 미술이 다시 그리기 시작한 것은 전쟁이 끝난 뒤였다. 가난과 폐허의 시대에, 현실을 그대로 묘사하기보다 그 너머의 정신을 그리려는 시도가 시작됐다.

그것이 바로 한국 추상미술의 첫 장이었다.
이 시기 네 명의 작가 – 주경, 이응노, 김환기, 유영국은 각각의 방식으로 ‘형태를 넘어선 시선’을 개척했다.

주경 (1905–1979)
한국 최초의 추상화가이자, 서양화 도입기의 가교 역할을 한 인물. 그는 최초의 서양화가 고희동과 최초의 파리 유학 화가 이종우에게 사사하며, 한국 근대 회화의 기초 위에서 추상이라는 새로운 문법을 탐구했다.

1940년대 초에 제작된 〈파란〉은 한국 최초의 추상화로 평가된다. 집안의 불운을 떠올리며 그린 작품으로, 직선과 곡선이 복잡하게 얽힌 화면은 불안하고 어수선한 감정을 조형적으로 표현했다. 또 다른 작품 〈생존〉은 비정형적 구성으로, 훗날 앵포르멜의 전조로 평가되기도 한다.

그의 이후 작품들은 추상이라기보다 사실에 가까웠지만, 한국 추상미술의 문을 열었다는 점에서 주경의 의미는 여전히 크다.

이응노 (1904–1989)

본래 동양화가로, 조선미전 입선작도 사군자였다. 그러나 그는 점차 서구의 추상에 관심을 가지며, 전통적 회화의 정신과 추상적 조형을 결합해 새로운 양식을 만들어냈다.

홍익대와 서라벌예대 교수로 활동하던 그는 1958년 파리로 떠났고, 이후 프랑스에서 생의 대부분을 보냈다. 젊은 시절의 모방과 사생(寫生)을 지나, 그는 사물의 ‘뜻’을 그리는 사의(寫意)로 나아갔다. 이 시기가 ‘반추상’의 시기라면, 1960년대에는 본격적인 ‘추상’의 세계에 들어선다.

그는 한지 콜라주와 다양한 재료를 사용해 질감을 탐구했고, 이후 서예의 정신을 회화에 도입하며 ‘문자추상’으로 발전했다. 그는 “서예 속에는 추상의 세계가 있다”고 말하며 전통과 현대를 잇는 가장 동양적인 추상화를 완성했다. 읽을 수 없는 글자와 조형적 구성으로 이원성을 무너뜨린 그의 작품은 글자와 그림, 동양과 서양의 경계를 초월했다. 대표작 〈수(壽)〉는 ‘글자도 조형’임을 선언한 작품으로, 이응노미술관의 디자인 모티프로도 쓰였다.

1980년대에는 인간 형상으로 돌아오며 〈군상〉 연작을 남겼다. 1985년작은 광주의 5·18을 떠올리게 하지만, 그에게 그것은 폭력과 전쟁을 넘어선 ‘평화를 향한 대중의 형상’이었다.

김환기 (1913–1974)

한국 미술의 세계화를 이끈 대표적 모더니스트.
일본 유학 시절부터 기하학적 추상에 관심을 가지며, 귀국 후 유영국, 이규상과 함께 신사실파를 결성해 한국 모더니즘 운동을 주도했다.

그는 산, 달, 항아리, 학 등 한국적 소재를 통해 시적이고 풍류적인 정서를 추상적 형태로 표현했다. 초기작 가운데 특히 주목할 만한 작품은 1938년 도쿄에서 발표한 〈론도〉로, 음악의 형식에서 영감을 받아 선과 색의 리듬을 회화로 번역한 작품이다.

전쟁 후 홍익대 학장을 지낸 뒤, 1956년 파리로 건너가면서 그의 회화는 형태를 단순화한 반추상으로 발전했다. 달과 항아리, 나무는 이제 상징이 되었고, 그 속에서 그는 멀리 떠난 고향과 민족적 정체성을 그렸다.

1963년 상파울루 비엔날레 참가 후 뉴욕으로 건너간 그는 완전히 새로운 회화 세계에 도달한다. 그의 뉴욕 시절 ‘점화(點畵)’ 연작은 수행에 가까운 작업이었다. 수천 개의 점을 찍으며 ‘그리운 사람’을 떠올렸다고 한다. 〈어디서 무엇이 되어 다시 만나랴〉는 김광섭의 시에서 제목을 빌린 대표작이며, 동양의 직관과 서양의 논리를 결합한 그의 철학이 응축된 작품이다.

〈Universe 5-IV-71 #200〉은 2019년 경매에서 약 132억 원에 낙찰되어 한국 미술 경매 최고가를 기록했다. 그의 작품 세계는 부암동 환기미술관에서 만나볼 수 있다. 1992년 건립된 이 미술관은 건축가 우규승이 설계했으며, 둥근 돔과 화강암 벽면이 그의 회화를 연상시킨다.

유영국 (1916–2002)

유영국 역시 일본 유학파로, 귀국 후 김환기와 함께 신사실파를 결성했다. 1930년대 작품들은 바다, 산, 해 등 자연의 형태를 암시하면서 선과 면, 색으로 구성된 비구상적 풍경을 보여준다.

1950년대 후반 작품 〈무제〉에서는 입체주의적 형태 분할과 곡선의 율동미, 원색 대비가 드러난다. 1957년부터는 ‘산’을 중심 주제로 삼아 자연의 본질을 탐구하기 시작했다. 그의 산은 단순한 풍경이 아니라, 자연의 에너지 그 자체였다. 후기로 갈수록 산의 형태는 점점 규칙적이고 기하학적으로 정제되어, 색과 형태의 질서 안에서 조형의 완결미를 보여준다.

그의 회화는 자연을 재현하는 것이 아니라, 자연의 질서와 리듬을 조형으로 옮기는 시도였다.
비평가들은 그를 두고 “자연을 그리는 것이 아니라, 자연이 되는 회화”라고 평했다.

맺음말

주경이 문을 열었고, 이응노가 전통의 온어를 새롭게 썼으며, 김환기와 유영국이 그 문법을 세계로 확장했다.
이들은 모두 다른 길을 걸었지만, 한 방향을 향하고 있었다.
추상은 그들에게 현실의 도피가 아니라, 혼란의 시대 속에서 인간과 세계를 새로 그리려는 시도였다.
그들의 점과 선, 그리고 여백은 지금도 한국 근대미술이 세계로 나아간 첫 발자국을 증명하고 있다.

주석: 본 글은 서울문화예술교육센터의「한국 근현대미술, 최초의 장면들」강의를 바탕으로 작성되었습니다.

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